Originaire d'une famille de musiciens extrêmement respectée à Minneapolis, Billy Peterson s'est imposé comme l'un des bassistes les plus polyvalents de sa génération, capable de passer avec une aisance déconcertante de la contrebasse jazz à la basse électrique rock. Sa carrière prend un tournant décisif lorsqu'il collabore avec Bob Dylan sur l'album légendaire Blood on the Tracks, apportant une profondeur acoustique et une sensibilité mélodique qui ont marqué l'histoire du folk-rock. Peu après, il rejoint le Steve Miller Band, une association qui durera plus de deux décennies et durant laquelle il deviendra le socle rythmique incontournable du groupe sur les scènes du monde entier. Au-delà de ses succès dans le rock, Peterson est un pilier de la scène jazz, ayant dirigé ses propres ensembles et collaboré avec des virtuoses comme le guitariste Leo Kottke ou le batteur Bill Bruford. Son style se caractérise par une précision technique rigoureuse alliée à un sens inné du "groove" organique, faisant de lui un musicien de studio très recherché pour sa capacité à servir la chanson tout en y injectant une texture sonore riche.

Il y a des bassistes qui choisissent la fretless. Et puis il y a ceux pour qui la fretless devient vite une évidence, un langage, presque une philosophie. Laëtitia Bertrand fait clairement partie de la deuxième catégorie. En véritable autodidacte partie de zéro, elle jongle aujourd'hui entre trois groupes aux univers bien distincts — du metal symphonique au prog instrumental en passant par un concept-album sur l'Égypte ancienne — avec pour fil conducteur une basse au son chaud qu'on reconnaîtrait entre mille. Entre ses BirdBasses, sa Wal MK2 de 1989 et sa Bongo 6 cordes, elle nous parle de Colin Edwin (son grand héros méconnu), de la scène metal prog en France, et de ce moment où une ligne de basse du Roi Lion s'est retrouvée dans un album de power metal. On vous avait dit que c'était fun:-)

Né à New York, Julian Euell est une figure fascinante de l'histoire du jazz moderne, ayant mené de front une carrière musicale exigeante et un parcours académique brillant en sociologie. Il commence l'étude de la contrebasse en 1944 et s'immerge rapidement dans la vibrante scène jazz new-yorkaise d'après-guerre, accompagnant des légendes telles que le saxophoniste Sonny Rollins et Jackie McLean. Après s'être éloigné des scènes quelques années pour travailler aux postes, sa passion le rattrape et il décide de se perfectionner auprès du légendaire contrebassiste Charles Mingus, avant d'étudier à la prestigieuse Juilliard School. À la fin des années 1950, son talent s'épanouit pleinement aux côtés des pianistes Mal Waldron et Randy Weston, avec qui il enregistre des albums qui marqueront l'ère du hard bop. Malgré cette reconnaissance artistique, Euell choisit d'embrasser une double vie en obtenant un doctorat en sociologie à l'Université George Washington dans les années 1970. Cette seconde vocation l'amène à occuper des postes institutionnels d'envergure, notamment comme secrétaire adjoint pour le service public à la Smithsonian Institution, où il contribue grandement à la valorisation et à l'archivage de l'histoire du jazz, ainsi que comme directeur de la Louis Armstrong House. Son parcours incarne une dualité intellectuelle et artistique exceptionnelle dans le paysage musical américain.

Electro-Harmonix vient de dévoiler le Deluxe Bass Big Muff Pi 2, une pédale de fuzz analogo tique qui conjugue le circuit Op-Amp ressuscité du Big Muff 2 avec toutes les fonctionnalités "Deluxe Treatment" de la première version. La marque new-yorkaise signe là sa pédale de fuzz basse la plus complète et la plus ambitieuse à ce jour.

Il y a des musiciens qui choisissent de se fondre dans le décor, et d'autres qui redéfinissent les contours du paysage. Sam Quintana appartient résolument à la seconde catégorie. Contrebassiste, compositeur, enseignant et leader de formation, ce Britannique établi à Leeds incarne avec une rare cohérence la figure du musicien complet — celui dont la basse n'est jamais un simple soutien harmonique, mais un véritable vecteur narratif.

Troisième album solo du trompettiste écossais Malcolm Strachan, Look On The Bright Side sort le 22 mai 2026 sur Haggis Records et confirme la trajectoire d'un musicien décidément à l'aise dans les eaux chaudes du soul-jazz. Après About Time (2020), hommage à l'esprit Blue Note, et Point Of No Return (2023), tourné vers l'ère CTI, ce nouvel opus s'ouvre davantage : grooves latins, touches d'Afrobeat et cordes cinématiques cohabitent sans jamais perdre le fil d'une positivité revendiquée. Sept titres construits autour du feeling plus que de la structure, avec quelques sommets évidents : Quest For Love et sa couleur dancefloor assumée, portée par la voix de Tanja Daese (Lucinda Slim) ; The Eclipse, incursion plus aventureuse mêlant Afrobeat et soul des seventies ; ou encore Leave It All Behind, lumineux et libérateur. Du côté de la rythmique, c'est Sam Quintana à la contrebasse qui retient l'attention. Nouvelle recrue dans l'entourage de Strachan, il apporte une assise acoustique précieuse à l'ensemble, ancrant les arrangements dans un ancrage organique que l'album revendique pleinement. Sa contrebasse dialogue naturellement avec la section rythmique et donne aux tempos latins comme aux ballades un supplément de chaleur et de profondeur. Aux côtés du percussionniste de session Steve Forman — vétéran des studios de Lee Ritenour, Al Jarreau et George Duke — Quintana contribue à faire de cette rythmique l'un des atouts discrets mais essentiels du disque. Un album solaire, bien taillé, qui ravira les amateurs de Freddie Hubbard, Donald Byrd ou du Cannonball Adderley Quintet.

Co-fondateur de Bauhaus et Love and Rockets, David J avait surpris en 2024 avec Tracks From the Attic, un triple album de démos exhumées sur quatre décennies. Ce Revisited, sorti ce 22 mai 2026, en constitue la suite naturelle et la métamorphose : dix titres retravaillés en studio, avec ensemble, après que certaines de ces maquettes eurent insisté pour être réentendues. La démarche est celle d'un artiste qui s'observe à distance — abordant son propre matériau « comme s'il produisait un autre artiste ». Les arrangements ont parfois radicalement transformé les originaux ; les paroles ont été retouchées là où elles pouvaient résonner dans les années 2020. Le résultat oscille entre post-punk crépusculaire hérité de la new wave, country classique feutré et romantisme à la Nick Drake — un spectre stylistique qui a toujours caractérisé David J en solo, loin de l'ombre de Bauhaus. Là où le premier volume invitait à observer un jeune songwriter en construction, ce Revisited met en scène l'artiste accompli, maître de l'épure. Comme il le dit lui-même : les démos étaient des graines laissées en jachère. Elles ont finalement fleuri.

Jon Burr, né à Huntington dans l'État de New York, est un contrebassiste américain de premier plan dont la sonorité a profondément marqué la sphère du jazz et du swing contemporains. Initiant sa formation académique au prestigieux Berklee College of Music avant de parfaire sa technique à l'Université de l'Illinois, il a rapidement plongé dans le bouillonnement musical de la scène new-yorkaise au milieu des années soixante-dix. Au cours de cette période charnière, sa précision rythmique et son approche profondément mélodique de l'instrument lui ont valu de partager la scène avec des légendes telles que Buddy Rich, Chet Baker et Stan Getz. Sa réputation grandissante a attiré l'attention du célèbre crooner Tony Bennett, qu'il a accompagné fidèlement au début des années quatre-vingt, consolidant ainsi sa place de sideman de luxe. Toutefois, c'est sa collaboration au long cours avec le légendaire violoniste français Stéphane Grappelli, dont il fut le contrebassiste attitré pour les tournées américaines jusqu'à la fin de la vie de ce dernier, qui a ancré son héritage musical. Par la suite, sa créativité s'est exprimée dans la fondation du Mark O'Connor's Hot Swing Trio, un projet qui a réaffirmé son dévouement absolu au swing, tout en menant en parallèle une riche carrière de leader avec le Jon Burr Quintet et en s'investissant dans l'écriture d'ouvrages pédagogiques majeurs consacrés à l'art complexe de la basse harmonique et mélodique.

Thomas Bryant, plus connu sous le nom de Tommy Bryant, fut un contrebassiste de jazz américain incontournable dont la carrière s'est principalement épanouie durant l'âge d'or du genre. Né à Philadelphie dans une famille profondément musicale, il grandit en développant une synergie rythmique naturelle avec son frère, le célèbre pianiste Ray Bryant. Après avoir fait ses premières armes sur la scène locale florissante, il s'impose rapidement comme un accompagnateur de premier choix grâce à son jeu d'une grande clarté, ancré dans un swing inébranlable et un choix de notes toujours subtil. Il devient le pilier de la section rythmique du trio de son frère, mais son talent le mène également à enregistrer et tourner aux côtés de géants du jazz tels que Dizzy Gillespie, Jo Jones et Benny Golson. Tout au long des années cinquante et soixante, sa contribution discographique est prolifique, consolidant la fondation harmonique de dizaines d'albums historiques. Bien qu'il ait souvent évolué dans l'ombre des grands solistes qu'il accompagnait, la qualité de son assise rythmique et son dévouement absolu au groove ont fait de lui l'un des musiciens les plus respectés par ses pairs jusqu'à sa disparition prématurée au début des années quatre-vingt.

Gasparo Bertolotti, universellement connu sous le nom de Gasparo da Salò, est une figure fondatrice de la lutherie et un musicien de grand talent. Venu au monde à Salò en Italie, ce maître artisan s'est illustré dans la création d'instruments à cordes, notamment les violons, les altos et les contrebasses. Son génie de luthier s'accompagnait d'une virtuosité reconnue en tant que contrebassiste et joueur de violone, un grand instrument à cordes frottées de la Renaissance. Il jouait pour d'illustres institutions religieuses, notamment au sein de la basilique Santa Maria Maggiore à Bergame où ses prestations musicales étaient hautement rémunérées. Ses créations instrumentales, caractérisées par une sonorité profonde et puissante, étaient déjà recherchées de son vivant et le sont restées à travers les siècles. En plus de concevoir l'architecture sonore des instruments, il testait et sublimait ses propres contrebasses sur scène, devenant ainsi un pionnier absolu mariant la facture instrumentale à la pratique orchestrale.

George Murphy "Pops" Foster naît le 19 mai 1892 sur la plantation sucrière de Harry McCall à McCall, située dans la paroisse d'Ascension près de Donaldsonville, en Louisiane. Fils de Charley Foster, maître d'hôtel pour la famille McCall, et d'Annie Foster, couturière d'origine en grande partie cherokee, il grandit dans un milieu modeste mais musical. Vers l'âge de dix ans, sa famille s'installe à la Nouvelle-Orléans. Alors que son frère aîné Willard Foster s'oriente vers le banjo et la guitare, George débute son apprentissage instrumental sur un violoncelle de fabrication artisanale avant de se tourner définitivement vers la contrebasse, tout en pratiquant le tuba et la trompette à un niveau professionnel. Il se marie une première fois avec Bertha Foster en 1912, dont il divorce en 1922, puis épouse en secondes noces Alma Foster en 1936, qui sera sa compagne pendant près de quarante ans.

C'est nouveau chez gravebasse.com. Ne ratez plus une seule info ! Chaque semaine, embarquez avec nous pour un tour du monde des meilleurs sites dédiés à la basse. On épluche, on sélectionne, on vous résume l’essentiel : actus matos, artistes, tendances et pépites à ne pas manquer. Moins de scroll, plus de groove ! Voici le résumé de cette semaine 20 du 11 au 17 mai 2026.

Il arrive parfois qu'un instrument redistribue les cartes d'un segment entier avec un seul geste. Lancée discrètement à l'été 2024, la Squier Affinity Jazz Bass VI est de ceux-là. Six cordes accordées de Si grave à Do aigu, un manche érable renforcé au graphite, une silhouette offset héritée de 1961, et une étiquette de prix à 319 euros chez les principaux revendeurs européens. Ce chiffre mérite d'emblée qu'on s'y arrête : c'est moins cher que l'Ibanez SR306EB (466 €) et moins cher encore que la Harley Benton BZ-6000 II NT (525 €), deux des concurrentes directes sur ce segment. La Squier n'est donc pas la « petite basse accessible » qu'on viendrait tolérer : elle est simplement l'instrument le plus abordable d'un trio dans lequel elle n'a rien à envier aux autres sur le plan de la lutherie.

George Murphy Foster, universellement connu sous le pseudonyme de Pops Foster, fut l'un des premiers musiciens à imposer la contrebasse en remplacement du tuba au sein des sections rythmiques des orchestres de jazz de la Nouvelle-Orléans. Né dans une plantation en Louisiane, il commence son apprentissage musical par le violoncelle avant d'adopter définitivement la contrebasse. Dès les années 1910, il navigue sur les bateaux à aubes du fleuve Mississippi au sein de l'orchestre de Fate Marable, côtoyant déjà un jeune et prometteur Louis Armstrong. Sa technique singulière de "slap", consistant à tirer violemment les cordes pour qu'elles claquent contre la touche en bois, confère une pulsation percussive inédite qui redéfinit fondamentalement le groove et l'assise du jazz naissant. Au fil des décennies, il s'installe à New York, devient le pilier rythmique incontournable de l'orchestre de Luis Russell, et accompagne régulièrement des géants du genre tels que Sidney Bechet ou Earl Hines. Son influence perdure à travers les époques, particulièrement lors du grand revival du style Dixieland des années quarante et cinquante, faisant de lui le doyen respecté de la contrebasse jazz jusqu'à la publication de son autobiographie à la fin de sa vie.

Peter Badie, surnommé "Chuck", est une figure emblématique de la contrebasse et de la basse électrique, dont la carrière illustre l'évolution du jazz et du rythm and blues à La Nouvelle-Orléans et bien au-delà. Initié à la musique par un père saxophoniste dans les fanfares traditionnelles de sa ville natale, Peter Badie développe très tôt un sens du rythme implacable et une profonde assise harmonique qui deviendront sa marque de fabrique. Son talent le propulse rapidement sur le devant de la scène nationale, l'amenant à accompagner des géants du jazz tels que le vibraphoniste Lionel Hampton. À ses côtés, il part en tournée et grave des enregistrements fondateurs comme le fameux concert à l'Apollo Hall en 1954 ou l'album incontournable "Jazz Flamenco". Sa grande polyvalence instrumentale lui permet de naviguer avec une aisance déconcertante entre le bebop exigeant de Dizzy Gillespie et le rhythm and blues pionnier de Fats Domino. Membre extrêmement actif du collectif A.F.O. (All For One) Executives, il participe activement à l'âge d'or des studios d'enregistrement de La Nouvelle-Orléans. Le son profond, rond et chaleureux de sa contrebasse résonne également aux côtés de légendes vocales historiques comme Sam Cooke, témoignant d'une capacité d'adaptation exceptionnelle aux différents registres de la musique noire américaine. Malgré les défis physiques et les changements profonds des époques musicales, Peter Badie a maintenu une carrière d'une longévité stupéfiante, transmettant le flambeau du groove néo-orléanais jusqu'à son décès à un âge très avancé, laissant derrière lui un héritage colossal gravé sur d'innombrables sillons historiques.

Krist Anthony Novoselic est une figure fondatrice et incontournable du mouvement grunge des années 1990, célèbre pour avoir posé les fondations rythmiques et mélodiques de Nirvana aux côtés de Kurt Cobain. Né à Compton en Californie de parents immigrés croates, il passe une partie de son adolescence en Yougoslavie où il s'imprègne de punk et de rock européen, avant de s'installer à Aberdeen dans l'État de Washington. C'est là que sa rencontre avec Cobain va changer l'histoire de la musique. Novoselic se distingue rapidement par un jeu de basse singulier, à la fois lourd, percussif et profondément mélodique. Contrairement à de nombreux bassistes de rock qui se contentent de suivre la guitare tonique par tonique, Novoselic compose de véritables contre-chants qui donnent aux morceaux de Nirvana leur dynamique caractéristique, alternant le calme et la tempête. Son utilisation du médiator apporte une attaque tranchante qui perce facilement à travers le mur de distorsion des guitares et la frappe surpuissante de batteurs comme Dave Grohl.

La Guild Starfire Bass vient de fouler l'une des plus grandes scènes du monde. Eian McNeely, bassiste de l'artiste sombr, a récemment joué à Coachella avec une Guild Starfire Bass II entièrement custom — et l'expérience lui a laissé une impression marquante.

Considéré comme l'un des pionniers de la basse mélodique dans le registre du hard rock, Gary Mervin Thain naît à Christchurch, en Nouvelle-Zélande, avant de traverser le globe pour laisser une empreinte indélébile sur la scène musicale britannique et internationale. Après avoir fait ses armes en Australie puis au Royaume-Uni avec le Keef Hartley Band, avec lequel il se produit d'ailleurs lors du mythique festival de Woodstock en 1969, il intègre Uriah Heep en 1972 pour ce qui deviendra l'âge d'or incontesté de la formation. Son approche de l'instrument est révolutionnaire pour l'époque ; armé de sa fidèle Fender Jazz Bass branchée sur des amplificateurs Acoustic 360, il refuse de se cantonner à suivre la grosse caisse ou à doubler de manière basique les riffs de guitare. Au lieu de cela, Thain tisse des lignes de basse chantantes, denses et pleines de contrepoints qui apportent une dimension presque progressive et un groove hypnotique aux compositions massives du groupe, sublimant des chefs-d'œuvre comme « Demons and Wizards » et « The Magician's Birthday ». Son jeu aux doigts, à la fois fluide et propulsif, devient l'un des piliers du son d'Uriah Heep, créant un espace harmonique complexe sous les claviers grandioses de Ken Hensley et les guitares saturées. Malheureusement, la cadence infernale des tournées, associée à de graves problèmes de santé précipités par une violente électrocution survenue sur scène à Dallas en 1974, entraîne son éviction du groupe au début de l'année 1975. Il disparaît tragiquement d'une overdose quelques mois plus tard, mais son génie créatif et son phrasé unique continuent d'influencer profondément des générations de musiciens qui voient en lui un maître absolu et méconnu de la basse rock.