John Illsley est une figure incontournable de l'histoire du rock britannique, indissociable du son de basse qui a propulsé les compositions de Mark Knopfler au sommet des classements mondiaux. Né à Leicester, il entame son parcours musical au cœur des années soixante-dix en naviguant dans la scène pub rock londonienne avant de cofonder le groupe légendaire qui allait redéfinir le rock de la fin de cette décennie. Son approche de l'instrument se caractérise par un sens aigu du groove discret et de la sobriété mélodique, une assise rythmique rigoureuse qui laissait tout l'espace nécessaire aux phrasés de guitare si particuliers de son compère. Tout au long de l'épopée de sa formation principale, il reste le seul membre permanent aux côtés de Knopfler, traversant les décennies de tournées gigantesques et participant activement à la construction de chefs-d'œuvre discographiques vendus à des dizaines de millions d'exemplaires. Parallèlement à ce succès planétaire, il développe sa propre sensibilité artistique en publiant plusieurs albums en solitaire dès le milieu des années quatre-vingt, des projets plus intimistes teintés de blues et de folk où il affirme ses talents d'auteur-compositeur et de chanteur. Après la mise en sommeil définitive de son groupe phare au milieu des années quatre-vingt-dix, il choisit d'explorer d'autres formes d'expression, notamment la peinture sur toile, tout en continuant à se produire régulièrement sur scène et à enregistrer des disques salués par la critique, perpétuant ainsi une carrière d'une longévité et d'une intégrité remarquables.

Né à Édimbourg, Stuart Sutcliffe incarne la genèse des Beatles avant l'explosion de la Beatlemania. Initialement peintre et étudiant brillant au Liverpool College of Art, il est convaincu par son ami intime John Lennon de rejoindre les Quarrymen, qui deviendront plus tard les Beatles, après avoir vendu l'une de ses toiles pour s'acheter une imposante basse Höfner 500/5 President. Bien que ses compétences musicales soient souvent décrites comme rudimentaires à ses débuts, son esthétique visuelle ténébreuse, introduisant les célèbres coupes de cheveux "mop-top" et l'imagerie cuir rockabilly, façonne durablement l'image du groupe lors de leurs passages fondateurs dans les clubs de Hambourg. Il quitte finalement la formation en 1961 pour se consacrer corps et âme à la peinture et à sa relation avec la photographe allemande Astrid Kirchherr. Son jeu de basse, bien que noyé dans les enregistrements live rudimentaires de l'époque, reste un témoignage brut de l'énergie et de la rébellion du rock and roll naissant. Il s'éteint tragiquement d'une hémorragie cérébrale à l'âge de vingt et un ans, laissant derrière lui une influence culturelle indélébile sur l'évolution visuelle et conceptuelle du plus grand groupe de l'histoire du rock.

e 6 juin 2026, Tony Levin a soufflé ses quatre-vingts bougies. Difficile d'imaginer meilleur cadeau d'anniversaire à se faire — et à nous faire — que ce Bringing It Down to the Bass, septième album solo de l'homme à la Chapman Stick et aux NS Design, et surtout le premier depuis 2007. Près de vingt ans de silence discographique en solitaire, pour un musicien qui n'a pourtant jamais quitté la scène ni le studio : plus de cinq cents albums au compteur, quinze avec Peter Gabriel, dix-huit dans l'orbite de King Crimson, sans parler de Stick Men ou de la tournée BEAT. Comme son titre l'annonce sans détour, le disque ramène tout à la basse — instrument, vocation, fil rouge d'une vie. Levin l'a conçu comme une autobiographie musicale, et le casting tient autant du carnet d'adresses que de la fête de famille : Robert Fripp, Steve Gadd, Vinnie Colaiuta, Mike Portnoy, Jerry Marotta, L. Shankar, David Torn, Pat Mastelotto, Earl Slick, Manu Katché, son frère Pete Levin aux claviers… Chacun débarque pour un titre, et l'on devine derrière chaque morceau un chapitre, une anecdote de route ou de session. Musicalement, c'est moins une réinvention qu'un panorama affectueux : groove caverneux et funk déluré (« Uncle Funkster », « Bungie Bass »), clins d'œil progressifs (« Beyond the Bass Clef » avec Shankar et Gary Husband), incursion atmosphérique signée Fripp sur « Floating in Dark Waters », et ce running gag assumé des titres qui célèbrent l'outil lui-même — « Me and My Axe », « Give the Cello Some ». On y entend un musicien détendu, joueur, sans rien à prouver, qui privilégie le plaisir et la complicité à la démonstration. Bringing It Down to the Bass n'a pas la prétention de bousculer la carrière de Levin — il la résume avec chaleur. Un disque généreux, parfois inégal dans son foisonnement de guests, mais traversé par une évidence : à 80 ans, l'un des bassistes les plus enregistrés de l'histoire prend encore un plaisir contagieux à descendre vers les fréquences graves. On y va.

La trajectoire artistique de Marcus Darc est celle d’un explorateur sonore dont la curiosité n'a d'égale que la maîtrise technique. Musicien, compositeur et pédagogue, Marcus Darc s'est construit un univers musical riche, passant avec une fluidité remarquable du jazz traditionnel aux compositions conceptuelles modernes. Son parcours commence bien avant la basse, avec une initiation précoce à la trompette dès l'âge de huit ans au sein d'orchestres d'harmonie, une première immersion qui lui a permis de développer une oreille musicale rigoureuse et une compréhension profonde de la structure harmonique.

Lawrence Edward Junstrom, né le 22 juin 1949 à Pittsburgh et décédé le 5 octobre 2019 à Palatka en Floride, est un bassiste américain ayant profondément marqué l'histoire du rock sudiste. Ayant grandi à Jacksonville, il se passionne très tôt pour la musique, délaissant le saxophone pour la basse après avoir été ébloui par les prestations télévisées des Beatles. Bricoleur, il va jusqu'à modifier sa première guitare avec des morceaux de balsa pour la transformer en instrument grave. Dès le milieu des années soixante, il s'associe à Ronnie Van Zant pour cofonder ce qui deviendra Lynyrd Skynyrd. Bien qu'il quitte la formation avant l'enregistrement de leur tout premier album, son jeu de basse pose les fondations rythmiques de ce groupe légendaire. En 1977, il rejoint la formation .38 Special, fondée par Donnie Van Zant, le jeune frère de Ronnie. Au sein de ce groupe, il assure la basse pendant trente-sept ans de tournées intenses et d'enregistrements en studio, apportant une solidité incontestable à leurs nombreux succès. Il se retire de la scène en 2014 à la suite d'une blessure à la main nécessitant une intervention chirurgicale. Passionné par les communications radioamateurs sous l'indicatif K4EB, qui signifiait pour lui « Known 4 Excellent Bass », il s'éteint paisiblement en 2019, laissant derrière lui une empreinte indélébile dans le monde du rock.

Charles Frederick "Kip" Winger, né à Denver dans le Colorado, est largement reconnu par le grand public comme le charismatique frontman de Winger, mais il est avant tout un bassiste redoutable doublé d'un compositeur aux influences très larges. Il fait ses premières armes professionnelles et se fait remarquer au milieu des années 80 en tenant la basse pour Alice Cooper, assurant un groove massif et agressif sur les albums Constrictor (1986) et Raise Your Fist and Yell (1987). Techniquement, le jeu de Kip Winger est très influencé par le rock progressif et le heavy metal, intégrant des lignes mélodiques complexes sous des riffs de guitare très lourds. Côté matériel, il s'est constitué un arsenal impressionnant au fil des décennies. Durant la première ère de Winger, on le voyait régulièrement dompter une Spector NS-2 ainsi qu'une Hamer Impact à l'allure très angulaire. Pour la période de l'album Pull (1993), il a collaboré avec la marque Washburn pour développer la KW-1250, un modèle signature haut de gamme équipé de micros Status et d'une électronique active pointue avec un égaliseur intégré pour sculpter son attaque percussive. Plus récemment, il a été aperçu sur scène équipé de basses Warwick Corvette. Musicien insatiable, il a par ailleurs étendu ses talents à la composition de musique symphonique et classique.

Originaire du Brésil, Fernando Molinari s'est imposé comme l'une des figures majeures de la basse moderne à l'échelle internationale. Son parcours est celui d'un musicien acharné, puisant ses influences dans le jazz-fusion, le rock progressif, le métal, mais également dans les rythmiques complexes et syncopées de sa culture natale. Il ne se contente pas d'être un technicien hors pair ; il utilise des techniques avancées comme le slap percussif, le tapping à deux mains ou un jeu aux doigts d'une vélocité stupéfiante pour servir un propos musical toujours profondément mélodique. Contrairement à certains virtuoses qui tombent dans la démonstration stérile, Molinari garde constamment à l'esprit que la basse, même lorsqu'elle s'arroge le rôle de soliste, doit conserver son assise rythmique et son groove fondamental. Son approche de la lutherie et de l'amplification reflète cette exigence de tous les instants, recherchant inlassablement ce grain à la fois précis, chaleureux et redoutablement tranchant pour percer des mixages denses, une quête sonore que tout bassiste à la recherche du son parfait comprendra intimement. L'album Numen représente la quintessence de cette philosophie musicale. Dès les premières mesures, l'auditeur est transporté dans un paysage sonore où la basse est reine, naviguant au cœur de compositions instrumentales d'une richesse foisonnante. L'album se distingue par une écriture extrêmement ciselée, où les signatures rythmiques asymétriques côtoient des harmonies sophistiquées, sans jamais perdre l'énergie brute et électrique qui caractérise le jeu de Molinari. Chaque piste est une exploration minutieuse de textures et de dynamiques. Les thèmes mélodiques, souvent exposés à la basse dans les registres aigus avec une clarté cristalline, s'entremêlent avec des unissons fulgurants et des riffs d'une lourdeur implacable, créant un contraste saisissant. Le travail sur le son au sein de Numen est un véritable régal pour les tympans et pour les amateurs de beau matériel. On y décèle une production méticuleuse qui met en valeur les moindres nuances de l'attaque et du toucher de Fernando. Le bas du spectre est abyssal mais parfaitement tenu, évitant tout effet de boue sonore, tandis que les médiums grondent avec cette agressivité musicale si recherchée pour le jeu en slap ou pour faire chanter les harmoniques. Les aigus, quant à eux, s'expriment sans jamais devenir criards, offrant une définition parfaite pour les passages en tapping et le jeu en accords. C'est un disque qui met en lumière l'importance cruciale d'une chaîne du son irréprochable, de la lutherie de l'instrument jusqu'aux étages de préamplification, de compression et d'égalisation. Il prouve de manière éclatante qu'une technique exceptionnelle a besoin d'un écrin sonore sculpté sur mesure pour s'exprimer pleinement. En définitive, Numen dépasse le simple cadre de l'album pour bassistes ; c'est une œuvre d'art fusionnelle qui transcende l'instrument. Fernando Molinari y démontre avec brio que la guitare basse possède une voix soliste puissante, capable de porter des émotions complexes et d'ériger des architectures musicales grandioses. C'est une source d'inspiration inépuisable qui pousse inévitablement à retourner travailler son instrument, à peaufiner son attaque, à explorer de nouvelles pédales d'effets et à repenser son propre son. Une écoute indispensable pour continuer à nourrir notre passion de la basse et de ses infinies possibilités harmoniques.

Bien que son génie de compositeur et d'arrangeur ait souvent éclipsé son rôle d'instrumentiste, Brian Wilson demeure le premier bassiste emblématique des Beach Boys, façonnant l'esthétique des basses de la surf music et de la pop orchestrale des années 1960. Armé le plus souvent d'une Fender Precision Bass blanche ou sunburst, qu'il jouait au médiator pour obtenir une attaque percussive et claire, il a su créer des lignes mélodiques indépendantes qui contrapuntaient ses propres harmonies vocales complexes. L'évolution de son jeu culmine avec les sessions de l'album Pet Sounds, où sa compréhension de la guitare basse transcende l'accompagnement basique pour devenir un élément moteur de l'orchestration, inspirant des générations de musiciens à considérer l'instrument sous un angle symphonique. Bien qu'il ait par la suite délégué l'exécution studio à des musiciens de session de la Wrecking Crew comme Carol Kaye, c'est sa vision pionnière et ses lignes directrices qui ont redéfini la fonction de la basse dans la musique pop moderne.

L'ingénierie du son en environnement mobile a franchi un seuil technologique critique avec l'introduction des architectures de traitement à virgule flottante. Pour les musiciens, et tout particulièrement pour les bassistes instrumentistes, ingénieurs du son ou créateurs de contenu gravitant autour de plateformes spécialisées telles que gravebasse.com, la capture des fréquences graves représente un défi acoustique et électronique permanent. La guitare basse électrique ou acoustique génère des transitoires d'une amplitude extrême (notamment lors de techniques de jeu percussives comme le slap ou le pop) tout en exigeant une clarté absolue dans le bas du spectre (des fréquences fondamentales descendant à 30,8 Hz pour un Si grave) sans introduire de distorsion ni de souffle parasite.

Discret, précis, profondément musical — Mike Porcaro est l'une des figures les plus respectées de la scène bass de Los Angeles. Son surnom, The Groove Master, résume à lui seul l'essence de son jeu : une colonne vertébrale rythmique irréprochable, au service de la musique, jamais pour l'esbroufe.

Sortie ce 19 juin 2026 sur RSB Records, cette relecture de « Jesse » s'inscrit dans la désormais riche série des Masterlink Sessions, ce projet 100 % live-in-the-studio porté par le bassiste et producteur autrichien Stefan Redtenbacher, l'ingénieur du son James Welch (Masterlink Productions, Surrey) et le vidéaste Leo Mansell. Le principe : inviter des artistes à enregistrer en prise unique, sans filet, avec pour colonne vertébrale le collectif Redtenbacher's Funkestra en guise de house band — dans l'esprit des Daptones ou des Funk Brothers. À l'origine, « Jesse » n'est pas la ballade éponyme de Carly Simon (1980) mais une composition originale de Leoni Jane Kennedy, parue en mai 2025 et produite par Eliot Kennedy. Un titre profondément personnel, écrit pour Jesse Hoff (Lazy J Amplification), ami de la chanteuse. Repérée par PROG Magazine (4ᵉ de sa catégorie « Best New Artist ») et artiste officielle PRS Guitars, la Londonienne y déploie une voix à la fois fragile et puissante, que le New York Times a saluée comme un « portail vers quelque chose de passionné et de puissant ». Dans cette version Masterlink, la chanson troque son habillage studio pour le groove organique du Funkestra : section rythmique vivante, dialogue instrumental tenu d'une main sûre par la basse de Redtenbacher, et cette chaleur si particulière des captations en une seule pièce, tous musiciens réunis. Le résultat ne dénature rien de l'émotion d'origine — il l'ancre simplement dans une matière soul-funk plus charnue, où l'on entend respirer chaque instrument. Une réussite de plus pour un format qui a déjà accueilli, au fil des sessions, aussi bien des lauréats Grammy que de jeunes talents prometteurs.

Vous avez repéré la basse de vos rêves sur le site d'un fabricant. La fiche technique déroule tout : essence du corps, profil de manche, micros, électronique, accastillage, diapason, rayon de touche, finition. Tout, sauf une chose. Le poids. Cette ligne-là n'existe pas. Et ce n'est ni un hasard, ni une négligence : c'est un choix de l'industrie entière, des géants de la production de masse aux marques premium.

Né le 19 juin 1931 à Brixton, Londres, Philip Francis Bates est un contrebassiste de jazz anglais incontournable de la scène londonienne dont l'assise rythmique a marqué son époque. Il a commencé sa carrière en jouant régulièrement au 51 Club de Londres avec Harry Klein et Vic Ash tout au long de l'année 1956. Sa maîtrise technique et sa sonorité profonde l'ont naturellement amené à rejoindre les prestigieux Jazz Couriers, aux côtés de figures légendaires telles que Tubby Hayes et Ronnie Scott. Après la dissolution de ce groupe, Phil Bates a élargi ses horizons en partant en tournée avec la grande Sarah Vaughan, soutenant sa voix inimitable de ses lignes de basse élégantes, et a également joué avec le Lennie Metcalfe Band à bord du célèbre paquebot transatlantique RMS Mauretania. Au début des années 1960, son jeu solide et son sens harmonique précis lui ont permis de collaborer avec Johnny Dankworth et Ronnie Ross, avant d'intégrer le quartet de Dick Morrissey d'octobre 1962 à 1968. Durant cette période faste, il tenait également la contrebasse pour le Harry South Big Band et le Tony Kinsey Quintet. À partir de 1968, il s'est tourné vers un prolifique travail de sideman en studio, prêtant son instrument à de nombreux artistes américains en visite comme Sonny Stitt et Jimmy Witherspoon. À la fin des années 1970, il a passé cinq ans à sillonner l'Europe en tournée avec l'illustre violoniste Stéphane Grappelli. Dans les années 1980 et 1990, il a continué à transmettre son immense expérience en dirigeant son propre trio et en donnant des cours de contrebasse à une nouvelle génération de musiciens.

Paul McCartney est sans conteste l'un des musiciens les plus influents de l'histoire du rock, universellement reconnu comme le bassiste visionnaire et co-chanteur des Beatles. Né à Liverpool, il a radicalement transformé le rôle de la basse électrique dans la musique populaire en y apportant une dimension mélodique totalement inédite. Plutôt que de se limiter à asseoir la rythmique fondamentale et à suivre la grosse caisse, McCartney a conçu ses lignes de basse comme de véritables contre-mélodies autonomes, propulsant les compositions du groupe vers de nouvelles hauteurs harmoniques. Des morceaux comme "Come Together", "Something" ou "Penny Lane" illustrent parfaitement sa capacité à marier un groove profond avec une musicalité exquise. Après la dissolution des Beatles à l'aube des années soixante-dix, il n'a rien perdu de son ingéniosité et a fondé le groupe Wings aux côtés de son épouse Linda, continuant à enchaîner les succès planétaires. Sur scène comme en studio, il a popularisé l'utilisation de la fameuse basse Höfner 500/1 en forme de violon, devenue indissociable de son image, avant d'adopter la Rickenbacker 4001S pour un son plus percutant et moderne. Au fil de ses nombreuses décennies de carrière solo, son talent tentaculaire d'auteur-compositeur, de multi-instrumentiste et d'arrangeur a continué de briller, faisant de lui une figure tutélaire incontournable pour des générations entières de bassistes à travers le monde qui étudient encore aujourd'hui son jeu.

Le 16 juin 2026, à l'occasion des célébrations mondiales marquant le soixante-quinzième anniversaire de l'introduction de la Precision Bass originelle de 1951, Fender Musical Instruments Corporation a dévoilé une réédition qui figurait depuis des décennies parmi les fantasmes les plus tenaces de la communauté des bassistes : la James Jamerson 1962 Precision Bass®. Commercialisé au tarif de 2 999,99 $ sur le marché nord-américain (et approximativement 3 629 € en Europe), cet instrument outrepasse le simple cadre du lancement de produit pour s'inscrire dans une démarche de préservation historique et de lutherie analytique. Pour les professionnels, les historiens de la musique et les lecteurs de plateformes spécialisées telles que gravebasse.com, cette sortie offre une opportunité sans précédent de disséquer la convergence entre l'ingénierie d'un instrument, la sociologie des studios d'enregistrement des années 1960 et la fabrique du son "Motown".

En ce 17 juin, nous célébrons l'anniversaire d'une véritable légende vivante de la guitare basse, Charles Walter Rainey III, universellement connu sous le nom de Chuck Rainey. Né à Cleveland dans l'Ohio en 1940, son parcours musical a d'abord commencé par l'apprentissage de l'alto, du piano et de la trompette. C'est durant son service militaire qu'il se tourne vers la guitare rythmique avant de trouver sa véritable vocation avec la guitare basse. Face à ses lacunes initiales en improvisation guitaristique, il a su transformer ce qui semblait être une faiblesse en une force monumentale en se consacrant au groove des quatre cordes. Rapidement installé à New York au début des années soixante, il est devenu l'un des musiciens de studio les plus sollicités au monde. Son style, profondément ancré dans le rhythm and blues et la soul, s'est merveilleusement exporté vers le jazz-rock, la pop et le funk. Le monde de la basse lui doit des lignes fondatrices et intemporelles enregistrées sur plus d'un millier d'albums. De son travail fondamental avec Aretha Franklin (notamment sur l'incontournable "Rock Steady") à ses contributions hautement sophistiquées sur de multiples albums de Steely Dan, en passant par le big band de Quincy Jones et le groove instrumental de The Crusaders, Chuck Rainey a littéralement défini le son et le rôle de la basse moderne. Fidèle à sa légendaire Fender Precision Bass qui constitue l'épine dorsale de sa signature sonore, il a également collaboré au fil des années avec des luthiers prestigieux comme Ken Smith et la marque Xotic pour développer des instruments hybrides sur mesure répondant à son exigence absolue. Au-delà de ses talents d'interprète, son héritage s'inscrit pleinement dans la transmission. Il a rédigé des méthodes pédagogiques devenues des standards de l'apprentissage de l'instrument et a contribué à façonner les programmes d'institutions majeures comme le Musicians Institute. Récemment honoré d'un doctorat honorifique par le Berklee College of Music, Chuck Rainey demeure un pilier incontournable dont le sens de la syncope continue d'inspirer des générations entières. Joyeux anniversaire à ce géant du rythme.

Les amateurs de rock progressif et de basse inventive peuvent se réjouir : Stick Men signe enfin son retour avec Let’s THRAK Again (REEL ONE), un nouvel album studio attendu pour le 2 septembre 2026. Il s’agit du premier véritable album de compositions originales du trio depuis Prog Noir, paru en 2016.

LE FUNK PARISIEN PASSE À L'ALBUM Il y a des groupes qui naissent vinyles sous le bras. Jéroboam est de ceux-là. En seulement trois ans d'existence, le collectif parisien a enchaîné une série de maxis devenus très recherchés, bâtissant patiemment une réputation de diggers avant de franchir l'étape que tous leurs fans attendaient : le premier album que voilà enfin. Du groove à grande formation Onze musiciens. C'est le nombre que Jéroboam déploie sur scène — et en studio — pour faire tourner sa machine à groove. Basse (Carel Cléril), batterie (Jeeb's Paliès), deux guitares (Kevin le Bellec, Emilien Gillan), claviers (Eli Frot), saxophone, trompette (Roman Didier), percussions (Sebastien Betancur) et trois voix (Indy Eka, Agyei Osei, Wolfgang Valbrun) : une formation qui rappelle les grandes orchestrations funk des seventies, avec une écriture clairement ancrée dans le présent. Le groupe délivre un disco-funk contemporain et un rare groove d'une redoutable efficacité, profondément ancré dans l'héritage des grands groupes des années 70 et 80, tout en affichant une identité résolument moderne. Sous un autre nom, une longue gestation Avant de s'appeler Jéroboam, le collectif a roulé sa bosse sous le nom Echoes Of. Une résidence Funk & The City au New Morning et des soirées South London Soul Train Party au Bussey Building ont forgé leur sens du dancefloor. Le groupe s'est aussi illustré par un spectacle en hommage à Prince (depuis 2019) et de nombreuses collaborations de haut niveau, dont un compagnonnage durable avec Howard Johnson et Junior Giscombe. Mais c'est leur association avec Kyoto Jazz Massive — avec qui ils tournent et enregistrent sous le nom d'Echoes Of A New Dawn Orchestra depuis 2022 — qui leur a ouvert les portes des scènes européennes les plus exigeantes. Leurs chansons, purs hymnes boogie-funk, font danser des salles entières — du Jazz Café au Ronnie Scott's, du New Morning au Cully Jazz Festival et l'Amsterdam Dance Event — et sont jouées en club par une communauté de connaisseurs à travers le monde : Gilles Peterson, Kenny Dope, Natasha Diggs, Dave Lee, Red Greg, DJ Spinna. La basse de Carel Cléril est le fil conducteur de tout ça — un groove ancré, rond, fondamentalement dansant, dans la tradition des grandes lignes funk qui ne demandent qu'à résonner fort dans un club. À surveiller de très près.