Harvey Brooks (né Harvey Goldstein à Manhattan) est une figure incontournable de la scène musicale new-yorkaise des années 1960. Bassiste prolifique, il s'est imposé comme l'un des musiciens de studio les plus prisés de sa génération. Il commence sa carrière en plein cœur du mouvement folk et blues, se démarquant rapidement par sa capacité à fusionner les genres avec fluidité. Sa notoriété explose lorsqu'il est invité à jouer sur l'album culte Highway 61 Revisited de Bob Dylan en 1965. Cette collaboration fondatrice marque le début d'une carrière exceptionnelle où il enchaîne les sessions prestigieuses. Il participe notamment à l'album The Soft Parade des Doors, apportant une ligne de basse mémorable et charnue sur des titres comme "Touch Me", et fonde le groupe The Electric Flag avec Michael Bloomfield et Buddy Miles. L'étendue de son talent et son approche très ouverte de l'instrument l'amènent également à explorer le jazz fusion, enregistrant sur l'album légendaire Bitches Brew de Miles Davis. S'étant installé en Israël à la fin des années 2000, il continue d'écrire et de jouer, publiant en 2021 son premier album solo, Elegant Geezer, Jerusalem Sessions, témoignant de sa passion intacte pour la création musicale.

Considéré comme l'un des prodiges de la basse rock britannique, Andy Fraser a posé les fondations du hard rock et du blues rock dès la fin des années 1960. Son jeu très mélodique, aéré et rythmiquement inventif a redéfini le rôle de la basse électrique dans un format power trio et quatuor, laissant un héritage technique et créatif immense à la sphère musicale.

Trois ans après leur retour, les pionniers de l'acid jazz britannique n'ont visiblement rien perdu de leur foi dans la groove. Acid Jazz Revenge, pressé en exclusivité pour le marché japonais via P-Vine, prolonge le disque Unreliable Memories Of Contested Conversations (WoozyWu, janvier 2026) en lui adjoignant quatre inédits. Une manière de rappeler que, chez Galliano, le disque n'a jamais été qu'une étape entre deux scènes. Enregistré aux Boogie Back Studios du nord de Londres, l'album tisse la même étoffe que le précédent : récits de la culture londonienne de la fin des années 80 dont le groupe est issu, mis en regard de l'époque numérique où l'on se débat aujourd'hui. Le titre Boogie For Brains résume l'esprit du disque — un funk crasseux à la James Brown, cuivres et flûte signés Finn Peters, sur fond d'interrogation grinçante : l'expérience numérique était-elle vraiment le futur qu'on nous avait promis ? Ailleurs, Children Of The Sun emprunte à Roy Ayers son soleil et à Gil Scott-Heron une première ligne empruntée à Winter in America. Difficile de parler de Galliano sans revenir au socle rythmique. Depuis les origines, la basse est tenue par Ernie McKone — « The Great Ernesto » — pilier de la scène rare groove britannique, patron du label Boogie Back et complice de longue date du batteur Crispin Taylor. C'est cette paire basse-batterie, rodée depuis la fin des années 80 (et parallèlement au sein de Push), qui donne au disque son assise élastique et dansante. Le studio même, Boogie Back, porte la marque du bassiste. Sur Acid Jazz Revenge, McKone assure basse et guitare : un ancrage jazz-funk que les habitués de son travail avec Incognito, Sister Sledge ou Seal reconnaîtront au premier walking.

Baigné très tôt dans la scène musicale florissante de Los Angeles, Joe Puerta a forgé son identité sonore en autodidacte, après avoir échangé une paire d'enceintes contre sa toute première vraie basse, une Fender Jazz Bass de 1963. Fortement influencé par le sens de la mélodie de Paul McCartney et le groove fondamental de James Jamerson, il a développé un jeu à la fois complexe et hautement chantant. En cofondant le groupe Ambrosia dans les années 70, il a su trouver le point d'équilibre parfait entre la sophistication technique du rock progressif et l'accessibilité de la pop, soutenant des arrangements denses avec des lignes de basse mouvantes et des harmonies vocales impeccables. Plus tard, lorsqu'il devient membre fondateur de Bruce Hornsby and the Range, il adapte son jeu pour offrir une assise plus fluide et profonde, frôlant parfois l'expressivité d'une basse fretless sur des classiques comme The Way It Is. Aujourd'hui également producteur et propriétaire d'un studio d'enregistrement, il conserve cette oreille absolue pour le placement des basses fréquences dans un mix, prouvant que le rôle du bassiste est avant tout d'être l'architecte invisible du morceau.

Avant d'être un catalogue de standards repris par la moitié du rock mondial, Willie Dixon était d'abord une contrebasse. Le pouls, l'ancre, la basse fondamentale du Chicago blues — celui qu'on entend sans jamais le voir en couverture.

William James Dixon est une figure fondatrice du Chicago blues, non seulement en tant que contrebassiste au groove inimitable, mais aussi comme compositeur, producteur et arrangeur. Originaire de Vicksburg dans le Mississippi, il s'installe à Chicago et se fait d'abord remarquer par son impressionnante carrure qui le mène vers une brève carrière de boxeur. Cependant, la musique prend rapidement le dessus. Sa maîtrise de la contrebasse devient l'épine dorsale des enregistrements du label Chess Records dans les années 1950. Son style de jeu percussif, ancré dans le blues acoustique mais parfaitement adapté à l'électrification naissante, donne une assise redoutable aux morceaux de Muddy Waters, Howlin' Wolf et Bo Diddley. Plutôt que de multiplier les notes, Dixon privilégie l'espace et le rebond, créant un balancement lourd et entraînant qui définit le son du blues urbain. Ses lignes de basse soutiennent des compositions historiques dont il est lui-même l'auteur, dictant littéralement la direction harmonique de la musique afro-américaine de l'époque. Son héritage se mesure à l'immense influence qu'il a exercée sur les bassistes de rock britanniques des années 1960, qui ont tous étudié ses disques pour en extraire l'essence du groove blues.

L'histoire des musiques improvisées afro-américaines, et plus particulièrement du jazz-fusion, est intrinsèquement liée à l'évolution de la basse électrique et de la contrebasse. Au cœur de cette révolution organologique et stylistique se dresse une figure tutélaire : Stanley Clarke. Au cours d'une carrière s'étendant sur plus de cinq décennies, il a systématiquement redéfini les paramètres techniques, harmoniques et orchestraux de l'instrument, propulsant la basse de sa fonction traditionnelle de soutien rythmique vers un rôle de soliste de premier plan. Véritable pionnier, il fut le premier bassiste de jazz-fusion de l'histoire à mener des tournées mondiales à guichets fermés, et à voir ses enregistrements en tant que leader certifiés disques d'or.

Fidèle à la mécanique inaugurée avec i/o en 2023 — et dont le nouvel album o\i renverse jusqu'au titre —, Peter Gabriel égrène ses chansons au rythme des pleines lunes. « I Belong to the Sky » est la septième pièce de ce puzzle de 2026, après « Been Undone », « Put the Bucket Down », « Till Your Mind Is Shining », « Won't Stand Down » et « A Hard Lesson ». Comme les autres, elle existe en deux visages, Dark-Side et Bright-Side ; c'est la version solaire qui ouvre le bal.

Né à Philadelphie, Stanley Clarke a fondamentalement redéfini le rôle de la basse électrique et de la contrebasse dans le jazz contemporain et la fusion. Encouragé très tôt par sa mère à étudier la musique, il s'essaie à l'accordéon et au violon avant de se tourner vers la contrebasse, instrument plus adapté à ses grandes mains et à sa stature impressionnante. Il ambitionne d'abord de devenir le premier musicien noir de l'Orchestre de Philadelphie, mais sa rencontre avec le pianiste Chick Corea à sa sortie de la Philadelphia Musical Academy en 1971 va bouleverser sa trajectoire. Ensemble, ils fondent Return to Forever, un groupe phare qui propulse le jazz-rock vers de nouveaux sommets.

C'est nouveau chez gravebasse.com. Ne ratez plus une seule info ! Chaque semaine, embarquez avec nous pour un tour du monde des meilleurs sites dédiés à la basse. On épluche, on sélectionne, on vous résume l’essentiel : actus matos, artistes, tendances et pépites à ne pas manquer. Moins de scroll, plus de groove ! Voici le résumé de cette semaine 26 du 22 au 28 juin 2026.

Fils d'un producteur et compositeur de renom (John Farrar) et d'une chanteuse australienne (Pat Carroll), Samuel John Farrar naît à Los Angeles et baigne dès son plus jeune âge dans les rouages de l'industrie musicale. Il commence son ascension en fondant le groupe de rock alternatif Phantom Planet en 1994, à l'âge de seize ans, aux côtés du chanteur Alex Greenwald. En tant que bassiste, il ancre le son indie pop et mélodique du groupe, qui connaît un succès planétaire avec l'hymne California, devenu le générique culte de la série télévisée Newport Beach. Son jeu de basse chez Phantom Planet se distingue par un sens aigu de la mélodie et une approche très organique, souvent couplée à des chœurs harmonieux qui épaississent le mix. La véritable consécration pop de Sam Farrar survient toutefois avec le groupe Maroon 5. Ami de longue date des membres fondateurs, il intègre la formation en 2012 initialement comme multi-instrumentiste de tournée, jonglant avec une aisance rare entre la basse, les guitares, les percussions, les claviers et les séquenceurs. Promu membre permanent pour les enregistrements studio autour de 2016, il s'impose comme un architecte sonore indispensable derrière la machine à tubes qu'est devenu Maroon 5. Armé de ses modèles Fender Precision et Jazz Bass, Farrar fusionne avec brio l'instrumentation traditionnelle et les fondations rythmiques électroniques. Artiste complet, il compose et produit également pour de nombreux autres artistes, comme Sara Bareilles, et s'illustre dans les arts visuels par la création d'œuvres urbaines.

Nous célébrons en ce jour l'anniversaire de naissance de David John Knights, né le 28 juin 1945 dans le quartier d'Islington à Londres. Bassiste de la première heure pour le légendaire groupe de rock britannique Procol Harum, il a gravé de son empreinte les premières années de cette formation incontournable. C'est en effet sa ligne de basse ronde, profonde et particulièrement mélodique qui soutient l'architecture de leur célébrissime hymne mondialement connu, sorti en 1967. Son approche singulière de l'instrument, très ancrée dans la transition entre le blues, la pop et le rock psychédélique émergent, a largement contribué au succès et à l'identité sonore des trois premiers albums du groupe, incluant des œuvres majeures de la fin des années soixante. En 1969, après avoir posé les fondations rythmiques du groupe, il quitte Procol Harum et cède sa place à Chris Copping pour se tourner vers d'autres horizons, notamment la production musicale et la création du groupe Ruby dans les années soixante-dix. En ce jour d'anniversaire, le monde de la basse se souvient de l'élégance de son jeu, un pilier discret mais fondamental qui a permis de soutenir l'un des plus grands chefs-d'œuvre de la musique moderne.

Fidèle à son calendrier lunaire, Peter Gabriel a fait paraître le 15 juin, au gré de la nouvelle lune, la Dark-Side Mix d'A Hard Lesson, signée Tchad Blake — pendant nocturne de la Bright-Side Mix de Mark « Spike » Stent dévoilée deux semaines plus tôt à la lune bleue.

Né à Buenos Aires, formé à Berklee, devenu l'un des sidemen les plus demandés de la scène new-yorkaise : voici un bassiste que le grand public ne connaît pas, mais que les bassistes, eux, écoutent attentivement. Derrière son premier album Upbeat (2011) se cache une démarche rare — faire chanter la basse seule, sans jamais sacrifier la fonction rythmique.

Ce vingt-sept juin marque la date de naissance de l'inoubliable Wayne Dockery, contrebassiste américain dont le groove profond a durablement marqué l'histoire du jazz. Originaire de Camden dans le New Jersey, il a d'abord mené une vie partagée entre la conduite de taxis et sa passion irrésistible pour la quatre cordes avant de s'imposer définitivement sur la vibrante scène new-yorkaise.

Huitième album du collectif britannique Empirical, Like Lambs: To The Slaughter arrive avec une équipe redessinée. Le départ aux États-Unis du vibraphoniste Lewis Wright, membre de longue date, a laissé un vide que le groupe n'a pas cherché à combler à l'identique : autour du trio resserré Nathaniel Facey (saxophone alto), Tom Farmer (contrebasse) et Shaney Forbes (batterie), le pianiste Ivo Neame et le guitariste David Preston viennent élargir la palette en invités. C'est là que l'écoute « basse » devient intéressante. Privée de l'épine vibraphonique qui structurait jadis ses harmonies, la musique reporte une partie de cette charge sur la contrebasse. Tom Farmer, cofondateur et pivot rythmique du groupe, se retrouve à arbitrer en permanence entre fonction d'ancrage et liberté mélodique — d'autant que le piano de Neame dialogue avec lui sur le terrain harmonique plutôt que de l'y remplacer. L'archet et le pizzicato se partagent l'ouvrage selon les mouvements, la contrebasse passant tour à tour du socle au contre-chant. Conçu à l'origine par le batteur Shaney Forbes comme une suite au long cours, d'abord parue en EP, le disque se déploie ici en un récit continu de 51 minutes, sans rupture. Il traverse une terre mouvante entre musique contemporaine, paysages sonores, post-bop et free, fidèle à la filiation revendiquée du jazz des années 1960. Le propos — pensée indépendante contre comportement de troupeau, frontière entre innocence et ignorance — colle au titre, et la forme même de l'œuvre, un arc ininterrompu, en devient le manifeste : une invitation à résister à l'attention fragmentée. Dans le grave, l'album vaut surtout comme leçon de fonction : comment une contrebasse soutient un édifice collectif quand on lui retire l'un de ses piliers. Exigeant, parfois âpre, mais payant pour qui accepte de s'immerger d'un seul tenant.

Sixième album en six ans pour le trio danois Little North, et l'un des plus ambitieux. Enregistré à New York dès novembre 2023, Crossing Currents sort le décor habituel du piano-trio nordique pour aller dialoguer avec deux voix marquantes de la scène américaine : le vibraphoniste Joel Ross et le saxophoniste Hannes Bennich. Le titre dit tout : il s'agit de courants qui se croisent, ceux de Copenhague, Malmö et Manhattan, fondus dans une même langue. Pour qui écoute par le bas du spectre, l'intérêt se loge dans le jeu de Martin Brunbjerg Rasmussen. Sa contrebasse reste fidèle à ce qui fait la signature du groupe : une assise jamais ostentatoire, mobile, à l'écoute, qui laisse respirer le piano de Benjamin Nørholm Jacobsen et les nappes de Lasse Jacobsen à la batterie. C'est l'école du contrebassiste-architecte plutôt que du soliste démonstratif — héritage assumé de la lignée Niels-Henning Ørsted Pedersen, mais ramené à une retenue toute scandinave. L'ajout du vibraphone change pourtant l'équation : la basse doit désormais tenir le grave face à un instrument harmonique concurrent, et c'est là que l'écoute collective du trio paie. Le résultat est un disque de transition au beau sens du terme : cinématique et minimaliste comme à l'accoutumée, mais traversé d'une énergie et d'une conversation transatlantique qui élargissent franchement le territoire. Les amateurs de Wide Open ou While You Wait ne seront pas dépaysés ; les autres y trouveront une bonne porte d'entrée vers ce « Nordic cool » dont Little North est devenu, presque sans bruit, l'un des meilleurs représentants.

Né à Philadelphie, Reginald "Reggie" Workman s'est imposé comme l'un des contrebassistes d'avant-garde et de hard bop les plus doués et influents de l'histoire du jazz. Il se fait d'abord remarquer au début des années soixante en remplaçant Steve Davis au sein du légendaire quartette de John Coltrane. Sa participation aux sessions mythiques du Village Vanguard et sa capacité à dialoguer musicalement avec le saxophoniste ont redéfini la place de la contrebasse dans le jazz moderne. Après son départ du groupe de Coltrane, il apporte son jeu robuste et profondément ancré chez les Jazz Messengers d'Art Blakey, remplaçant Jymie Merritt. Tout au long de sa prolifique carrière, il a croisé le fer avec des figures tutélaires telles que Thelonious Monk, Wayne Shorter, Freddie Hubbard et Alice Coltrane. Véritable scientifique du son et explorateur infatigable, il continue de transmettre sa passion et son savoir en tant que professeur, veillant à ce que l'histoire du jazz soit préservée tout en encourageant ses élèves à développer leur propre voix artistique. Son apport incommensurable à la musique américaine lui a valu de multiples récompenses, dont la prestigieuse bourse Guggenheim pour la composition.