Thomas Bryant, plus connu sous le nom de Tommy Bryant, fut un contrebassiste de jazz américain incontournable dont la carrière s'est principalement épanouie durant l'âge d'or du genre. Né à Philadelphie dans une famille profondément musicale, il grandit en développant une synergie rythmique naturelle avec son frère, le célèbre pianiste Ray Bryant. Après avoir fait ses premières armes sur la scène locale florissante, il s'impose rapidement comme un accompagnateur de premier choix grâce à son jeu d'une grande clarté, ancré dans un swing inébranlable et un choix de notes toujours subtil. Il devient le pilier de la section rythmique du trio de son frère, mais son talent le mène également à enregistrer et tourner aux côtés de géants du jazz tels que Dizzy Gillespie, Jo Jones et Benny Golson. Tout au long des années cinquante et soixante, sa contribution discographique est prolifique, consolidant la fondation harmonique de dizaines d'albums historiques. Bien qu'il ait souvent évolué dans l'ombre des grands solistes qu'il accompagnait, la qualité de son assise rythmique et son dévouement absolu au groove ont fait de lui l'un des musiciens les plus respectés par ses pairs jusqu'à sa disparition prématurée au début des années quatre-vingt.

Gasparo Bertolotti, universellement connu sous le nom de Gasparo da Salò, est une figure fondatrice de la lutherie et un musicien de grand talent. Venu au monde à Salò en Italie, ce maître artisan s'est illustré dans la création d'instruments à cordes, notamment les violons, les altos et les contrebasses. Son génie de luthier s'accompagnait d'une virtuosité reconnue en tant que contrebassiste et joueur de violone, un grand instrument à cordes frottées de la Renaissance. Il jouait pour d'illustres institutions religieuses, notamment au sein de la basilique Santa Maria Maggiore à Bergame où ses prestations musicales étaient hautement rémunérées. Ses créations instrumentales, caractérisées par une sonorité profonde et puissante, étaient déjà recherchées de son vivant et le sont restées à travers les siècles. En plus de concevoir l'architecture sonore des instruments, il testait et sublimait ses propres contrebasses sur scène, devenant ainsi un pionnier absolu mariant la facture instrumentale à la pratique orchestrale.

George Murphy "Pops" Foster naît le 19 mai 1892 sur la plantation sucrière de Harry McCall à McCall, située dans la paroisse d'Ascension près de Donaldsonville, en Louisiane. Fils de Charley Foster, maître d'hôtel pour la famille McCall, et d'Annie Foster, couturière d'origine en grande partie cherokee, il grandit dans un milieu modeste mais musical. Vers l'âge de dix ans, sa famille s'installe à la Nouvelle-Orléans. Alors que son frère aîné Willard Foster s'oriente vers le banjo et la guitare, George débute son apprentissage instrumental sur un violoncelle de fabrication artisanale avant de se tourner définitivement vers la contrebasse, tout en pratiquant le tuba et la trompette à un niveau professionnel. Il se marie une première fois avec Bertha Foster en 1912, dont il divorce en 1922, puis épouse en secondes noces Alma Foster en 1936, qui sera sa compagne pendant près de quarante ans.

C'est nouveau chez gravebasse.com. Ne ratez plus une seule info ! Chaque semaine, embarquez avec nous pour un tour du monde des meilleurs sites dédiés à la basse. On épluche, on sélectionne, on vous résume l’essentiel : actus matos, artistes, tendances et pépites à ne pas manquer. Moins de scroll, plus de groove ! Voici le résumé de cette semaine 20 du 11 au 17 mai 2026.

Il arrive parfois qu'un instrument redistribue les cartes d'un segment entier avec un seul geste. Lancée discrètement à l'été 2024, la Squier Affinity Jazz Bass VI est de ceux-là. Six cordes accordées de Si grave à Do aigu, un manche érable renforcé au graphite, une silhouette offset héritée de 1961, et une étiquette de prix à 319 euros chez les principaux revendeurs européens. Ce chiffre mérite d'emblée qu'on s'y arrête : c'est moins cher que l'Ibanez SR306EB (466 €) et moins cher encore que la Harley Benton BZ-6000 II NT (525 €), deux des concurrentes directes sur ce segment. La Squier n'est donc pas la « petite basse accessible » qu'on viendrait tolérer : elle est simplement l'instrument le plus abordable d'un trio dans lequel elle n'a rien à envier aux autres sur le plan de la lutherie.

George Murphy Foster, universellement connu sous le pseudonyme de Pops Foster, fut l'un des premiers musiciens à imposer la contrebasse en remplacement du tuba au sein des sections rythmiques des orchestres de jazz de la Nouvelle-Orléans. Né dans une plantation en Louisiane, il commence son apprentissage musical par le violoncelle avant d'adopter définitivement la contrebasse. Dès les années 1910, il navigue sur les bateaux à aubes du fleuve Mississippi au sein de l'orchestre de Fate Marable, côtoyant déjà un jeune et prometteur Louis Armstrong. Sa technique singulière de "slap", consistant à tirer violemment les cordes pour qu'elles claquent contre la touche en bois, confère une pulsation percussive inédite qui redéfinit fondamentalement le groove et l'assise du jazz naissant. Au fil des décennies, il s'installe à New York, devient le pilier rythmique incontournable de l'orchestre de Luis Russell, et accompagne régulièrement des géants du genre tels que Sidney Bechet ou Earl Hines. Son influence perdure à travers les époques, particulièrement lors du grand revival du style Dixieland des années quarante et cinquante, faisant de lui le doyen respecté de la contrebasse jazz jusqu'à la publication de son autobiographie à la fin de sa vie.

Peter Badie, surnommé "Chuck", est une figure emblématique de la contrebasse et de la basse électrique, dont la carrière illustre l'évolution du jazz et du rythm and blues à La Nouvelle-Orléans et bien au-delà. Initié à la musique par un père saxophoniste dans les fanfares traditionnelles de sa ville natale, Peter Badie développe très tôt un sens du rythme implacable et une profonde assise harmonique qui deviendront sa marque de fabrique. Son talent le propulse rapidement sur le devant de la scène nationale, l'amenant à accompagner des géants du jazz tels que le vibraphoniste Lionel Hampton. À ses côtés, il part en tournée et grave des enregistrements fondateurs comme le fameux concert à l'Apollo Hall en 1954 ou l'album incontournable "Jazz Flamenco". Sa grande polyvalence instrumentale lui permet de naviguer avec une aisance déconcertante entre le bebop exigeant de Dizzy Gillespie et le rhythm and blues pionnier de Fats Domino. Membre extrêmement actif du collectif A.F.O. (All For One) Executives, il participe activement à l'âge d'or des studios d'enregistrement de La Nouvelle-Orléans. Le son profond, rond et chaleureux de sa contrebasse résonne également aux côtés de légendes vocales historiques comme Sam Cooke, témoignant d'une capacité d'adaptation exceptionnelle aux différents registres de la musique noire américaine. Malgré les défis physiques et les changements profonds des époques musicales, Peter Badie a maintenu une carrière d'une longévité stupéfiante, transmettant le flambeau du groove néo-orléanais jusqu'à son décès à un âge très avancé, laissant derrière lui un héritage colossal gravé sur d'innombrables sillons historiques.

Krist Anthony Novoselic est une figure fondatrice et incontournable du mouvement grunge des années 1990, célèbre pour avoir posé les fondations rythmiques et mélodiques de Nirvana aux côtés de Kurt Cobain. Né à Compton en Californie de parents immigrés croates, il passe une partie de son adolescence en Yougoslavie où il s'imprègne de punk et de rock européen, avant de s'installer à Aberdeen dans l'État de Washington. C'est là que sa rencontre avec Cobain va changer l'histoire de la musique. Novoselic se distingue rapidement par un jeu de basse singulier, à la fois lourd, percussif et profondément mélodique. Contrairement à de nombreux bassistes de rock qui se contentent de suivre la guitare tonique par tonique, Novoselic compose de véritables contre-chants qui donnent aux morceaux de Nirvana leur dynamique caractéristique, alternant le calme et la tempête. Son utilisation du médiator apporte une attaque tranchante qui perce facilement à travers le mur de distorsion des guitares et la frappe surpuissante de batteurs comme Dave Grohl.

La Guild Starfire Bass vient de fouler l'une des plus grandes scènes du monde. Eian McNeely, bassiste de l'artiste sombr, a récemment joué à Coachella avec une Guild Starfire Bass II entièrement custom — et l'expérience lui a laissé une impression marquante.

Considéré comme l'un des pionniers de la basse mélodique dans le registre du hard rock, Gary Mervin Thain naît à Christchurch, en Nouvelle-Zélande, avant de traverser le globe pour laisser une empreinte indélébile sur la scène musicale britannique et internationale. Après avoir fait ses armes en Australie puis au Royaume-Uni avec le Keef Hartley Band, avec lequel il se produit d'ailleurs lors du mythique festival de Woodstock en 1969, il intègre Uriah Heep en 1972 pour ce qui deviendra l'âge d'or incontesté de la formation. Son approche de l'instrument est révolutionnaire pour l'époque ; armé de sa fidèle Fender Jazz Bass branchée sur des amplificateurs Acoustic 360, il refuse de se cantonner à suivre la grosse caisse ou à doubler de manière basique les riffs de guitare. Au lieu de cela, Thain tisse des lignes de basse chantantes, denses et pleines de contrepoints qui apportent une dimension presque progressive et un groove hypnotique aux compositions massives du groupe, sublimant des chefs-d'œuvre comme « Demons and Wizards » et « The Magician's Birthday ». Son jeu aux doigts, à la fois fluide et propulsif, devient l'un des piliers du son d'Uriah Heep, créant un espace harmonique complexe sous les claviers grandioses de Ken Hensley et les guitares saturées. Malheureusement, la cadence infernale des tournées, associée à de graves problèmes de santé précipités par une violente électrocution survenue sur scène à Dallas en 1974, entraîne son éviction du groupe au début de l'année 1975. Il disparaît tragiquement d'une overdose quelques mois plus tard, mais son génie créatif et son phrasé unique continuent d'influencer profondément des générations de musiciens qui voient en lui un maître absolu et méconnu de la basse rock.

John Symon Asher Bruce, universellement connu sous le nom de Jack Bruce, est sans conteste l'un des bassistes les plus influents de l'histoire du rock. Né en Écosse, il baigne d'abord dans un environnement musical très classique et jazz, ce qui l'amène à remporter une bourse pour étudier le violoncelle et la composition à la Royal Scottish Academy of Music, tout en pratiquant assidûment la contrebasse jazz. Frustré par le conservatisme de l'académie qui désapprouve son amour pour le jazz, il quitte l'école pour s'immerger dans la bouillonnante scène londonienne du début des années 60. Après avoir fait ses armes à la contrebasse acoustique avec le Blues Incorporated d'Alexis Korner, puis au sein du Graham Bond Organisation, il bascule définitivement vers la basse électrique. C'est en fondant le supergroupe Cream avec Eric Clapton et Ginger Baker que Jack Bruce révolutionne l'approche de l'instrument. Loin de se cantonner à un rôle de soutien rythmique, il adopte un style contrapuntique et mélodique extrêmement volubile, poussant sa célèbre basse Gibson EB-3 (souvent branchée dans des amplis Marshall poussés à la distorsion) au même niveau d'importance que la guitare de Clapton. Compositeur principal du groupe, il est l'auteur de riffs d'anthologie comme celui de Sunshine of Your Love. Après la séparation prématurée de Cream, Jack Bruce a poursuivi une carrière solo prolifique et éclectique, naviguant entre jazz fusion, rock progressif et musiques du monde, adoptant par la suite les basses fretless de la marque Warwick dont il est devenu un illustre ambassadeur.

Pour marquer le jour anniversaire de sa naissance, il convient de retracer la trajectoire de Michael Allen Madden, plus connu sous le nom de Mickey Madden. Né le 13 mai 1979 à Austin, dans le Texas, ce musicien américain s'est illustré en tant que bassiste dans des genres allant du rock alternatif au funk rock, en passant par la pop rock et le soft rock. Son parcours musical a véritablement commencé au collège, alors qu'il fréquentait la Brentwood School de Los Angeles. C'est là qu'il a fait ses premières armes en jouant dans des garages avec ses amis Jesse Carmichael à la guitare et aux chœurs, ainsi qu'Adam Levine au chant et à la guitare, puisant notamment leurs influences dans des groupes phares de la scène alternative comme Pearl Jam et Nirvana. Il est par la suite devenu le bassiste historique du célèbre groupe pop rock Maroon 5. Aux côtés d'Adam Levine, il a été le seul membre à conserver une présence ininterrompue au sein de la formation, de ses débuts professionnels en 1994 jusqu'à son départ le 14 juillet 2020. En parallèle de cette carrière prolifique, Mickey Madden est également membre fondateur du projet multimédia Collapsing Scenery, une aventure musicale initiée avec le multi-instrumentiste Don Devore où il évolue sous le pseudonyme de Reggie Debris. Concernant sa vie privée et personnelle, les sources officielles mentionnent un mariage avec Kate Bowman au cours de l'année 2025, suivi d'une séparation la même année. Son retrait officiel de Maroon 5 a par ailleurs fait suite à une arrestation en lien avec des allégations de violences domestiques. Malgré ces épreuves et la mise en pause de sa carrière, sa contribution rythmique continue de faire partie intégrante de l'histoire du groupe.

Gary Peacock fut l'un des contrebassistes de jazz les plus influents de sa génération. Reconnu pour sa polyvalence remarquable, il a su naviguer avec maestria entre le jazz d'avant-garde, le free jazz et le post-bop, laissant une empreinte indélébile grâce à un son puissant et une profonde sensibilité harmonique.

Ex-Bassiste de Porcupine Tree et explorateur sonore infatigable, Colin Edwin n'a jamais cantonné sa basse à un rôle d'accompagnement. The Weight of a Shadow, second volet de sa collaboration avec le guitariste estonien Robert Jürjendal, confirme cette posture : c'est lui qui ouvre le bal sur « Barely Visible », basse fretless en avant, harmoniques suspendues, quelque part entre Jaco Pastorius et la mélancolie nordique des productions ECM. L'album déploie en douze titres une matière instrumentale qui oscille entre ambient minimaliste, post-rock atmosphérique et expérimentation progressive. Edwin y manie tour à tour basse frettée, fretless, contrebasse, E-bow et programmations ; Jürjendal répond à la guitare électrique, à la 12 cordes et à l'U8 Touch Guitar — une panoplie qui dit bien l'ambition de la chose. L'enregistrement capte une acoustique rare : les reverbs naturelles du studio d'Aaviku Farmstead, au cœur de la campagne estonienne, donnent au disque une respiration que les salles insonorisées n'auraient pas autorisée. On retient « Soul Blizzard » et ses mélodies proches de l'univers de Porcupine Tree, le blues glitché de « Shadow Ritual », ou encore l'épure hypnotique de « The Grid ». Un album qui se mérite à l'écoute répétée et qui révèle, au fil des passes, une cohérence et une profondeur que la première écoute tend à masquer. À écouter et à acquérir sur Bandcamp : colinedwin.bandcamp.com

Membre fondateur du célèbre groupe britannique Gerry and the Pacemakers, John Leslie Chadwick a été l'un des artisans du son Merseybeat qui a déferlé sur le monde dans les années 1960. À la basse, il a apporté une assise rythmique incontournable aux hymnes intemporels du groupe, rivalisant un temps avec les Beatles dans les classements et le cœur des fans de la scène de Liverpool.

Il y a des musiciens qui jouent dans un groupe. Et il y a Steve Harris — celui qui est le groupe. Fondateur, compositeur principal, directeur artistique, co-producteur et bassiste d'Iron Maiden depuis 1975, Stephen Percy Harris est bien plus qu'un instrumentiste d'exception : il est l'âme d'un des phénomènes culturels les plus durables du rock mondial. Avec ses lignes de basse à galop devenues la signature sonore d'un genre tout entier, Harris a redéfini le rôle du bassiste dans la musique heavy metal et continue, à presque 70 ans, d'electrifier des stades aux quatre coins de la planète.

Il y a des noms qui méritent d'être rappelés régulièrement. Bakithi Kumalo en fait partie. Né à Soweto, ce bassiste sud-africain a posé sa ligne de basse au cœur de l'un des albums les plus marquants de la pop mondiale — Graceland de Paul Simon (1985) — avant de s'installer à New York et de devenir l'une des signatures les plus recherchées de la scène internationale. Cinq Grammy, un classement parmi les 50 meilleurs bassistes du monde par Bass Player Magazine, des collaborations avec Herbie Hancock, Hugh Masekela, Joan Baez ou encore la Tedeschi Trucks Band : le CV parle de lui-même. What You Hear Is What You See, sorti en octobre 2021 sur le label Ropeadope et co-produit avec Maxfeld Gast, est un album solo qui s'offre comme une déclaration d'identité. En dix titres, Kumalo tisse sa cosmologie musicale propre : les rythmes zoulou et la chaleur de l'Afrique du Sud rencontrent le groove funky new-yorkais, la soul et des touches de jazz contemporain. Des morceaux comme Zululand Nation ou Nomvula portent une fierté culturelle affirmée, tandis que Desert Walk ou Peaceful Water laissent la basse chanter avec une sobriété désarmante. Ce qui frappe chez Kumalo, c'est la même chose qui a séduit Paul Simon quarante ans plus tôt : un sens mélodique hors-norme, une pulsation organique qui ne cherche jamais à en imposer. La basse n'accompagne pas — elle raconte. Un disque à (re)découvrir, et un bassiste à ne plus jamais oublier.

Si Michel Alibo était né à New York, on parlerait de lui comme de Marcus Miller. Mais il vient du Robert, en Martinique — et depuis cinquante ans, sa basse trace en silence l'une des carrières les plus denses et les plus polyvalentes de la musique française et caribéenne.